«Человек без диплома может сбросить академические оковы и творить что хочется»

В казанской галерее современного искусства «БИЗОN» продолжает работу выставка Digital Art Synergy (сокращенно D"ART’S), где популярные российские художники, дизайнеры, фотографы и скульпторы предлагают зрителю поразмышлять об особенностях взаимодействия человека с передовыми технологиями. Одна из участниц проекта, Екатерина Смирнова, признает, что за цифровым искусством будущее, призывая скинуть ментальные цепи, выйти из соцсетей и научиться любить. Об этом художница рассказала в интервью «БИЗНЕС Online» на открытии экспозиции, где представлено четыре ее работы.

«Не все мои работы идеальны с точки зрения науки или эстетики, но они цепляют энергетически»

— Екатерина, вы известный художник, но творить начали всего пять лет назад. Как это случилось?

— Неожиданно. Я захотела украсить свой дом и стала создавать интерьерные композиции. Творчество было просто отдушиной, а уже позже я занялась концептуальным искусством. Меня пригласили поучаствовать в благотворительной ярмарке, которая базировалась в саду «Эрмитаж» и была посвящена онкобольным детям. Так я сделала картину «Взгляд на мир сквозь замочную скважину», представленную сегодня на выставке D"ART’S. Она напоминает о людях, воспринимающих мир через физические ограничения. Человеческие чувства в работе рассчитаны с помощью формул. Большими знаками расшифрована доброта, так как именно она спасет мир. Я расписывала формулы интуитивно, чтобы зритель мог сопоставить их с истинными чувствами, для этого не нужно иметь профильного образования. Не все мои работы идеальны с точки зрения науки или эстетики, но они цепляют энергетически.

— Сами вы не учились на художника. Отсутствие специального образования помогает или мешает творить?

— И то, и другое. В процессе творчества неизбежно сталкиваешься с техническими моментами — пропорции рисунка, монтаж деталей. Мне приходится точечно добирать знания на мастер-классах, в приватных беседах или в интернете. Если импрессионистические полотна можно писать только рукой и душой, скульптура требует профессиональных навыков. Также образование дает представление о художественных стилях и техниках.

— При этом вы отдали своих детей в художественную школу.

— Я не настаивала, всегда спрашиваю у детей, что им интересно. Сначала это была гимнастика, затем они стали посещать мои персональные выставки, в основном из-за атмосферы и тусовки. Но я объяснила, что выставка — это не только красивая прическа и нарядный костюм. Это затраченное время и колоссальный труд. Ребята вдохновлялись искусством и захотели научиться так же. Сама учить я их не хочу, пусть этим занимаются профессионалы. Но всегда советую детям подключать фантазию, мыслить самостоятельно и не бояться делать ошибки.

— Ваши картины, инсталляции, скульптуры яркие и очень разные. Обращаетесь ли к сквозным темам?

— Мне нравится копировать живую природу, особенно полудрагоценные камни и кристаллы. Остальные темы всплывают спонтанно. Приходит образ, затем простейшее объяснение, и я начинаю раскручивать идею. Моими источниками вдохновения могут быть и книги, и надписи, и люди, и цветная бензиновая лужа. Когда меня пригласили поучаствовать в московской выставке, посвященной космосу, я создала кристаллическую решетку мироздания.

— Нашлись источники вдохновения в столице Татарстана?

— Я первый раз выставляюсь в Казани и потрясена красотой города. Улица Баумана, где находится галерея «БИЗОN», похожа на Старый Арбат, в мечетях ощущается волшебная энергетика. Я сделала пару заметок и фотографий, но пока все карты раскрывать не буду. Скажу лишь, что в Казань хочется вернуться.

«У меня есть ментальные цепи из страхов и норм, от которых я бы избавилась»

— Выставки современного искусства часто предлагают зрителю нетипичные решения, сложные концепты. Как неподготовленному человеку оценивать подобную экспозицию?

— Для этого не нужно быть искусствоведом. Зритель должен прийти на выставку и просто чувствовать, оценивать экспонаты по принципу «нравится — не нравится». Если возникнет интерес, можно поразмышлять, погрузиться в философию художника, «подтянуть» свой опыт. Важна иммерсивность — общение человека с картиной, стирание границ и обмен энергиями. Я часто излагаю в аннотациях концепции своих работ, но приятно, когда восприятие зрителя расходится с моим. Значит, человек открыл что-то из своей жизни и «запараллелил» с картиной.

— Вспомните самый неожиданный комментарий, полученный от зрителя?

— Женщина на выставке заплакала, увидев моих «Пленников соцсетей». Я создала объемную работу об интернет-зависимости. Женская фигура в цепях прикована к хештегу из гвоздей, а внизу лежит клавиатура, окруженная мобильными телефонами. Тема актуальна, странно, что она до сих пор не обсуждается широко в искусстве и СМИ. Ведь многие проживают жизнь в соцсетях. Дети зависимы от телефонов и компьютерных игр. У плакавшей женщины такая беда случилась с племянником…

А вообще реакция публики — главная награда для художника! Зритель выступает в качестве источника вдохновения и подспудно влияет на развитие искусства. Задача искусства, в свою очередь, — побудить людей думать и чувствовать.

— В инсталляции «Жизнь скована, искусство свободно», представленной на выставке D"ART’S, вы рассуждаете о ментальных цепях. Как от них избавиться?

— Нужно подключиться к вселенной и к высшему «я», отправить фантазию в полет, раскрыть свои внутренние качества. Мечтать и воплощать мечты в жизнь. Меня вдохновила фраза художника Анатолия Зверева. Соединив в работе мир людей и мир искусства, я показала, что на земле мы скованы ментальными цепями, но наши души свободны. Без живописи, музыки, театра человек ограничен. В этом инсталляция корреспондирует со «Взглядом на мир сквозь замочную скважину». Но если с физическими цепями люди вынуждены смириться, то ментальные нам по силам скинуть.

— Вы одеты под стать героине. Ассоциируете себя с женщиной в оковах?

— Как и у всех, у меня есть ментальные цепи из страхов и норм, от которых я бы избавилась. Боюсь за детей и за свою безопасность; даже не смотрю телевизор. Но прямой ассоциации нет. Я всегда поддерживаю свои арт-объекты на выставках, «включаюсь» в образы своих героев (костюмы по эскизам шьет мастер). По энергетике и философии женщина в оковах — сильнейшая из моих работ, представленных здесь, поэтому решила ее поддержать.

— Ваша скульптура — центральный объект выставки?

— Сложно сказать. Это зависит от восприятия людей.

— Также на выставке представлен ваш «Глаз». За чем он наблюдает?

— За жизнью в параллельных мирах. С помощью медитации каждый человек может обрести такой глаз. Также меня вдохновила легенда о 13 черепах майя, разбросанных по всему миру. Если их собрать, человек получит божественную силу. Но вселенная справедлива и не позволяет найти хрустальные черепа индейцев. В руках людей они опасны и погубят Землю.

«Мои фавориты — Сальвадор Дали и Бэнкси»

— Вы постоянный участник отечественных выставок. Как в целом развивается современное искусство в России?

— Среди актуальных трендов выделю street art. Он оживляет улицы, придает яркие, сочные краски безжизненным стенам. Часто в городских центрах видишь полуразрушенные здания с большой историей, и когда на них большими буквами написано слово «любовь», это цепляет. Я радуюсь, что люди творят, а не сидят в соцсетях.

— Но сами вы не выходите рисовать на улицу.

— У меня другое призвание — творить иммерсивные работы. За street art’ом с интересом наблюдаю, как и за многим другим в современном искусстве, но это не мое. Главное — найти свою нишу в творчестве. Многие спрашивают, почему я не рисую классические портреты. Мне это не нужно. Так же как и компьютерное искусство — оно для меня бездушное, особенно популярное сейчас NFT. Я создаю работы только руками, отдавая энергию гвоздям, доскам, глине, стеклу, смоле, экоматериалам.

Цифровое искусство сегодня настолько востребовано, что может затмить остальные направления. Людям надоела классика, и они ждут чего-то нового. В этом смысле «цифра» — находка, и, хотя мне ближе рукотворное искусство, сейчас действительно много талантливых digital-художников. На выставке в Казани меня потрясли работы Ольги Мичи (в галерее современного искусства ГМИИ РТ — прим. ред.). В них ощущаются философия, подтексты, энергия и волшебство. Я видела великие произведения искусства в Третьяковке, Эрмитаже, Музее славянской культуры, и могу точно сказать, что Мичи обладает уникальной техникой. У нее есть своя фишка.

— А в чем фишка концептуального искусства?

— Оно менее популярно, но неизменно вызывает у людей эмоции. Это искусство с философией, яркое и современное. Автор-концептуалист не копирует мир, а пропускает его через себя, вкладывая в работу эмоции, жизненный опыт и глубинный смысл. Концептуальное искусство интересно мыслящим людям, и если оно развивается, значит, общество эволюционирует интеллектуально, а не просто живет в пространстве СМИ, телевидения и соцсетей.

— Не в каждом выдающемся произведении искусства есть концепция и философия?

— Нет, есть копии мира — пейзажи, портреты. А есть концептуальные изображения, они, как правило, неклассичны.

— Кто из художников сегодня особенно влияет на развитие искусства? Кто ваши любимые мастера?

— Мои фавориты — Сальвадор Дали и Бэнкси. Поражаюсь их творческому сумасшествию, бесстрашию, желанию творить нетривиальное. Также люблю российских неизвестных художников. Бывает, идешь по улице, видишь картину, и она тебя «цепляет». Это может быть белый кружочек на черном фоне, но с безумной энергией.

— Какой смысл вы вкладываете в это слово?

— Энергия — это то, что идет от вселенной. Все мы приходим на землю с дарами и талантами, но часто блокируем их. Трудолюбивому и любознательному человеку на развитие таланта даются энергия, вдохновение и сила. Они ощутимы на уровне мурашек, тока или состояния влюбленности. Разносторонние и разнофактурные энергии подобны радуге, базируясь на позитиве и на любви.

Сегодня людям особенно необходимо проявлять себя в творчестве. На молодежь оказывают колоссальное давление, идет серьезная работа над формированием «послушного общества».

— Как сопротивляться давлению?

— Думать, читать, творить. Творчество развивает интеллект и личность человека, учит жить, любить, общаться с людьми и черпать информацию из вселенной. Я советую каждому найти что-то интересное для себя. Творчество многогранно: это и музыка, и актерская работа, и вышивание, и сочинение кроссвордов… Чтобы творить, не нужно быть профессионалом. Надо просто хотеть.

Я при любой занятости уделяю творчеству 3–4 часа в день. Если есть срочные проекты, работаю ночами. Но в основном искусство занимает 30 процентов моей жизни.

— Что занимает остальные 70 процентов?

— Дети и домашние дела. Правда, это тоже некое творчество.

«Продвинуть себя сегодня можно только безумием»

— Вернемся к современному искусству. Может ли ныне живущий автор стать по-настоящему известным?

— Конечно. В эпоху интернета это сделать намного проще. Продвинуть себя сегодня можно только безумием. Например, как это делал Бэнкси, расписывая небоскребы по ночам. Но я уже говорила, что не готова рисовать муралы на улицах. Все мое безумство заключено в концептуальных работах.

— В чем оно проявляется?

— В идеях, в подаче, в особой работе с объемами. Я иду на риск и не боюсь совершить ошибку. Моя мама — архитектор с дипломом МАРХИ, и, узнав о моих идеях, она часто хватается за голову. Многие вещи рождаются на интуитивном уровне. Например, я первая сделала друзы в виде скульптур. Мой любимый камень — аметист, и, если у меня есть собственная луна, почему не может быть двухметровой друзы? Я создала ее из стеклянной крошки, смолы, эрклеза, монтажной пены и поставила у себя дома. До 15 мая камень можно увидеть в Новой Третьяковке на выставке «Мир искусства».

— По окончании выставок храните свои работы дома?

— В основном да. Кое-что дарю маме, одна картина хранится в Музее Звездного городка. Полуфабрикаты держу в мастерской.

— Об известности мы поговорили. А может ли современный художник стать по-настоящему богатым?

— О миллионах говорить не буду, но заработать искусством можно. Я выучилась на маркетолога и никогда не работала по специальности. Была, правда, административная работа в сфере устройства городского хозяйства и рекламная индустрия, но это все не мое. Сейчас зарабатываю только творчеством. Доход художника зависит от его востребованности. Бывает, суперпрофессиональные мастера с образованием бедствуют, потому что неинтересны зрителю.

«Многие художники – пророки»: звезды российского digital-искусства в «БИЗОN'е»

— Как сегодня стать интересным зрителю?

— Должны быть собственные фишки. На классической и неоклассической выставке зритель видит 50 профессиональных пейзажей, выполненных 50 художниками. Поставь их в ряд, и никто не поймет, чьей руки каждая из картин. Я же всегда выделяюсь. Знающие люди без труда находят на сборной ярмарке мой арт-объект или полотно.

— Ваши главные фишки?

— Я работаю на стыке искусства и философии, делаю миксы техник, экспериментирую с объемами. Сейчас это не так популярно. А вообще зритель должен энергетически совпасть с работой художника, нельзя создавать «мертвые» картины и скульптуры.

«Я призываю каждого курящего или пьющего человека остановиться»

— Как вы оцениваете положение наших мастеров в европейском пространстве сегодня?

— Нынешняя ситуация влияет на всех художников, трудящихся на международном рынке, как экономически, так и психологически. Меня она не коснулась (я выставлялась на западных площадках от евразийского союза только онлайн), но жесткие ограничения печалят и тревожат. Сегодня художники не знают, что их ждет в будущем. Хотелось бы участвовать в очных зарубежных выставках, пробую себя на международных конкурсах. Сложно оценивать собственное искусство.

— На выставке D"ART’S представлена еще одна ваша картина — «Зеленая планета». На ней мы видим сигареты, алкоголь и наркотики. Это призыв остановиться?

— Я изобразила вредные привычки, которые губят нас уже физически. Они разрушают жизни и семьи, превращают людей в животных. Я призываю каждого курящего или пьющего человека остановиться. Для этого нужно только желание. Надо захотеть измениться ради близких людей, ради детей. К сожалению, сейчас многие люди ничего не хотят…

— Вы придерживаетесь здорового образа жизни?

— Да, иначе бы не создавала такие работы. Если хочешь изменить мир, начни с себя. Я счастлива, что пришла на землю без вредных привычек: не выношу сигареты и алкоголь. Но у меня другое пристрастие — шоколад.

— Говорят, люди, которые любят сладкое, позитивно смотрят на жизнь.

— Да, я несу в мир позитив. Мне небезразличны ошибки людей, и я пытаюсь их предотвратить. Даже самые тяжелые по энергетике работы, например «Пленники соцсетей», — это призыв к лучшему. Положительная энергия приходит из вселенной. Каждый человек подключен к ней, однако блокирует контакты злостью, пороком, нежеланием любить. Наше главное предназначение на земле — любить, но немногие умеют это делать.

— Дайте рецепт, как правильно любить?

— Нужно дарить счастье любимому человеку, даже вопреки своим интересам. Дающий человек любит делиться эмоциями, удивлять сюрпризами. Он транслирует свою любовь. К сожалению, сейчас большинство людей — потребители. Их сложно научить отдавать что-либо, они должны сами прийти к истинной любви.

— Искусство может помочь в этом?

— Заставить задуматься — да, но главный учитель здесь — жизненный опыт, порой неприятный. Искусство может помочь разобраться в ситуации, дать ответы на вопросы, принять важное решение.

— Какое важное решение вы приняли после взаимодействия с картиной или скульптурой?

— У меня с искусством другие отношения — оно либо пробуждает во мне эмоции, либо нет. Важные решения я принимаю в соответствии с интуицией и своим высшим «я». Иногда ориентируюсь на знаки судьбы.

«Многие художники – пророки»: звезды российского digital-искусства в «БИЗОN'е»

18 авторов выставки D"ART'S переосмысливают реальность в контексте слияния материального мира и цифровой реальности

В казанской галерее современного искусства «БИЗОN» открылась новая выставка Digital Art Synergy (сокращенно D"ART'S). Известные отечественные художники, дизайнеры, фотографы и скульпторы предлагают зрителю поразмышлять об особенностях современных взаимоотношений человека и технологий. Куратор D"ART'S Анна Резцова убеждена в глубокой философии современного искусства. Она полагает, что будущее за цифровыми технологиями, а идею антропоцентризма считает неактуальной. В интервью «БИЗНЕС Online» Резцова рассказала о сущности медийного восприятия, нелинейности времени и благотворном влиянии пандемии на искусство.

«Для меня это очень интересный и вдохновляющий опыт»

— Анна, галерея «БИЗОN» в последнее время стала одним из центров притяжения для поклонников современного искусства столицы Татарстана, представляя зрителю интеллектуальные и идейно цельные экспозиции. Какую задумку вы собираетесь реализовать в Казани?

— Мы собрали работы представителей самых актуальных направлений в искусстве — street art, science art, цифровой живописи и фотографии, 3D-скульптуры, видео-арта, векторной графики, генеративного искусства. Идея выставки заложена в ее названии — Digital Art Synergy (сокращенно D"ART'S). В условиях все увеличивающегося потока информации наше внимание скользит по информационному потоку, считывая самые яркие и визуально запоминающиеся образы, поэтому задача современного искусства и нашей выставки в частности — привлечь внимание зрителя и за короткий промежуток времени донести идеи, заложенные в концепции выставки так, чтобы они попали точно в цель, «зацепили» зрителя и заставили его размышлять.

Мы предлагаем публике подумать о новых способах взаимодействия с окружающей средой, о взаимоотношениях человека и технологий, переосмыслить этические и эстетические категории, которые меняются в результате все большего слияния материального мира и цифровой реальности.

— На выставке мы увидим работы 18 художников, дизайнеров, фотографов, скульпторов. Все авторы представляют в творчестве свою картину мира, обладают индивидуальным стилем. Что их объединяет, кроме интереса к цифровому искусству?

— Авторов объединяет современный контекст, который они воспринимают и перерабатывают. Искусство не может полностью дистанцироваться от событий в мире, например от того, как меняется экологическая обстановка на планете, от политических тенденций и идей, витающих в обществе. Художники существуют в едином поле, одновременно формируя его и черпая оттуда идеи. Также авторов объединяет то, что они работают на стыке сразу нескольких областей: философии, технологии и искусства. Создание концепции предполагает наличие знаний из области истории, истории искусства и философии, процесс создания работы требует технических навыков: чем большим количеством медиа владеет художник, тем необычнее его работы. Искусство всегда требовало от творца задействования всех внутренних ресурсов и навыков, а современное искусство — особенно.

— Каким образом формировалась экспозиция?

— В ней участвуют авторы, за творчеством которых я долгое время следила, не думая о том, что когда-нибудь мне придется выступить в роли куратора и делать выставку. Но это случилось, и для меня подобное очень интересный и вдохновляющий опыт. Отбирая работы, я ориентировалась на собственный эстетический вкус и свое понимание современного искусства. Также стоит добавить, что многие работы выставлены на различных NFT-площадках, в том числе на первом российском NFT-маркетплейсе Digarty.com. Возраст, раскрученность и участие в выставках не имели значения. Есть работы именитых и зрелых художников, таких как Константин и Марина Худяковы, Андрей Верещагин, Константин Марков. Есть молодой, но уже известный представитель петербургской ветви Science Art Алекс Петунин, его работы выставлялись в Сингапуре и Дубае, есть авторы, пришедшие в искусство из фешен-фотографии и графического дизайна, такие как Евгений Военский и Алексей Неретин. Не буду перечислять всех, лучше прийти в галерею и увидеть все своими глазами. Скажу, что каждый художник, чьи работы вошли в экспозицию, имеет свой уникальный стиль и язык. Мне хотелось собрать представителей большинства направлений в современном искусстве.

— На выставку приедут произведения искусства из Москвы, Санкт-Петербурга, Саратова. Казанские мастера тоже представят свои работы?

— В экспозицию вошли видеоинсталляции Алисы Гулканян, молодой представительницы цифрового искусства Татарстана. Она обучалась в Британской высшей школе дизайна, и ее основным медиа является коллаж.

— Цифровое искусство сегодня — один из главных художественных трендов. Как с ним обстоят дела в столице РТ?

— Насколько мне известно, в Казани проходит международный фестиваль медиаискусства «НУР», где показывают свои работы западные художники, мастера из Москвы и Петербурга, а также местные авторы, в том числе Гулканян. Цифровое искусство в городе активно развивается, поэтому дротик летит точно в цель на подготовленную почву — думаю, выставка D"ART'S будет интересна и понятна публике.

«Искусство не математика, здесь не существует жестких границ»

— Вы уже отмечали, что цифровое искусство не только создает новые образы, но и переосмысливает существующие. Как это происходит?

— Как я уже говорила, явления и предметы из материального мира, переходя в цифровое пространство, обретают новые свойства. Их восприятие переворачивает наше сознание и представление об искусстве. В качестве примера можно привести серию Худякова «Световая природа женщины». Когда мы слышим словосочетание «женский образ в традиционном искусстве», в голове всплывают «Мона Лиза», Мадонны Рафаэля, «Венера перед зеркалом» Веласкеса. Константин Васильевич переводит этот сюжет на язык цифрового искусства с помощью разработанной им же уникальной технологии, и мы видим абсолютно новое, не совсем привычное для восприятия изображение. Технологии, без сомнения, диктуют новый эстетический язык. Это я имела в виду, когда говорила об переосмыслении.

Или еще пример: серия Военского Alien. Евгений снимает крошечные части растений с помощью макросъемки, которая позволяет увеличить изображение и воспроизвести все в мельчайших деталях. При особенных настройках света растительные объекты уже не выглядят милыми цветочками. Евгению удается создать абсолютно новые образы природы, отличающиеся от привычных, и напомнить нам, что природа может быть не только дающей. Она может жестоко ответить на неуважительное и потребительское отношение к планете.

— Выставку украсят картины основоположника российской цифровой живописи Худякова. Особенность его стиля — причудливое взаимодействие «реального» и «виртуального». Как соотносятся данные категории в цифровом искусстве?

— Это определить очень сложно. Искусство не математика, здесь не существует жестких границ и точного процентного соотношения составляющих. До появления цифры художники существовали в поле своего воображения и воплощали собственные идеи традиционным способом с помощью красок на холстах и бумаге или в скульптурных формах. Виртуальный мир, по сути, визуализация воображения, где автор выстраивает некую реальность в силу своего таланта, интеллекта, жизненного опыта.

Видение Константина Васильевича, на мой взгляд, изначально созвучно языку цифрового искусства. Он ощущает цифровую графику как медиа, наиболее подходящее для задач, которые он ставит перед собой в творчестве. А дальше происходит сам акт творчества, описать который невозможно. У каждого художника свой рецепт, и я не думаю, что художники задумываются над тем, как они это делают. Они мешают абстрактное с реальным, так же как краски на палитре. Чем точнее соотношение, тем талантливее работа. То, что можно сказать абсолютно точно — технология расширяет палитру средств самовыражения художника.

— В серии работ «Отраженная реальность» Марков исследует грань между фотографией и абстрактной живописью.

— В «Отраженной реальности» художник размышляет о том, что в мире нет ничего статичного, все образы и явления трансформируются и изменяются. Серия наглядно показывает идею трансформации: есть материальный мир и есть объекты, через которые он преображается. Зеркальные поверхности — это то, что нас окружает, и мир в них становится абсолютно другим.

— Петунин в «Гравитационном линзировании» творчески переосмысливает исследования ученых-физиков. Каким образом?

— Серия работ «Гравитационное линзирование» вдохновлена красотой искривлений лучей света вблизи массивных космических объектов.Это удивительное явление, создающее эффект огромной космической линзы, которая потрясающе красивым образом преломляет далекие галактики, созвездия и туманности.Удаленные на тысячи и миллионы световых лет астрономические объекты предстают перед нами в искаженном виде, потому что свет движется по огибающей траектории из-за гравитации массивных тел, находящихся между объектом и наблюдателем.

Современные научные исследования говорят о том, что пространство и материя во Вселенной неоднородны. Также сейчас популярна теория о нелинейности времени и его индивидуальном восприятии (иногда время течет быстрее, иногда замедляется). На мой взгляд, автор нашел оригинальный способ рассказать о физическом явлении, сочетая векторную и 3D-графику.

«Используя саморезы, он как бы закрепил в истории момент пандемии»

— Изюминка экспозиции — мозаика Марата Наби «Короноборцы». Благодаря ей мы еще раз оценим каторжный труд медиков в «красных зонах». Картина выполнена в технике screwart, значит, автор использовал подручные материалы?

— Наби — уникальный художник, часто использующий в своих работах строительные материалы: кирпич, фанеру, гайки, шурупы, саморезы… «Короноборцы» — портреты врачей, работающих круглосуточно в сложных условиях. Рубцы от масок на их лицах Марат интерпретирует как следы самолетов, разносящих инфекцию по всему миру. Используя саморезы, он как бы закрепил в истории момент пандемии, которая не только сказалась на здоровье и психологическом состоянии людей, но и дала толчок развитию новых технологий, в частности цифрового искусства, так как в виртуальной реальности границы практически отсутствуют в отличие от реального мира.

Техника screw art, в которой выполнена работа, — рельеф из саморезов, дополненный объемной живописной моделировкой, — включает наследие большого промежутка времени с точки зрения истории искусства. Отправная точка — это эллинистический рельеф. Известно, чтоскульптурные группы греческих храмов, которые дошли до нас ахроматичными (белыми), имели колористическое решение. С этой точки зрения работа Марата унаследовала черты греческой скульптуры, также в ней есть и черты и постмодерна. В Германии в 1960-е годы жил и работал художник-постмодернист Гюнтер Юккер. Он создавал рельефы на фанере при помощи гвоздей, но его работы носили более абстрактный характер.

— Наби не первый художник, обратившийся в творчестве к «ковидным» образам. Можно ли говорить о благотворном влиянии пандемии на искусство? Она подарила авторам актуальную тему…

— Мы живем в условиях пандемии, несмотря на купирование очагов инфекции, коронавирус мутирует, а это широкое поле для размышлений и фантазии. Многие художники — пророки, и, хотя в последнее время их видения не обнадеживают, ковидная тема в искусстве — осмысление нынешнего опыта и проекция на будущее. Тема остается актуальной, безусловно. Она подхлестнула интерес художников к микробиологии и химии — это огромные пласты не только для изучения и осмысления, но и интереснейший материал с точки зрения визуальной.

—Кто-то из художников создал картину или инсталляцию специально для выставки?

— Некоторые работы зритель увидит впервые. Например, 6-частную серию «Плетения» Ильи Сипягина, созданную при участии искусственного интеллекта, или творения Антона Батишева, работающего в 3D-графике. Петунин впервые представит «Гравитационное линзирование».

«На самом деле я считаю себя прежде всего художником»

— Вы действующий дизайнер и архитектор, но на выставке выступаете куратором. Почему решили сменить амплуа?

— На самом деле я считаю себя прежде всего художником. Архитектор, дизайнер, куратор — это стороны моей деятельности, которые формируют меня как личность и профессионала. В случае с кураторством мне интересно работать с полем абстрактных идей, объединять художников с неожиданным взглядом на вещи, говорить со зрителем о темах, которые кажутся мне актуальными. Мне нравится то, что приходится много общаться, сталкиваться с интересными и неординарными людьми. В процессе запуска проекта часто происходят занимательные диалоги, которые наталкивают на новые идеи. И когда выставка уже идет, она обрастает дополнительными смыслами и преображается, как будто это живой развивающийся организм.

— Увидим ли мы на выставке ваши произведения?

— Да, Shiva Space Technology. Эта работа о том, что человек является связующим звеном между миром идей и миром технологий. Сегодня мы должны серьезно подумать, как дальше взаимодействовать с реальностью, которую породил наш интеллект и которая в нас, возможно, не нуждается. Очевидно, что воздействие человека на окружающий мир пагубное, а идея антропоцентризма уже неактуальна. Помогут ли технологии исправить ситуацию или возьмут над нами верх — об этом я размышляю в своей картине.

— Выставки современного искусства часто предлагают зрителю нетипичные решения, сложные концепты. Неподготовленный человек сможет по достоинству оценить экспозицию?

— Изначально мы хотели приблизить мир цифрового искусства к реальности через его внедрение в интерьер, поэтому работы считываются на первоначальном уровне восприятия, как эстетически привлекательные для глаза объекты. Стоит ли проходить дальнейшие уровни и постигать смыслы, человек выбирает сам. Я бы сказала, что хорошая выставка современного искусства — это такой психологически-смысловой квест, от которого получаешь интеллектуальное удовольствие.

Волна критического отношения к современному искусству уже сходит и не мешает зрителю погрузиться в смысл картины. Можно задать вопрос медиатору или прочесть аннотацию, но большинство людей в состоянии самостоятельно читать искусство, а у галереи «БИЗОN», на мой взгляд, уже подготовленная аудитория.

— Как в целом развивается современное искусство в России?

— Среди актуальных трендов я бы вновь выделила цифровое искусство. Технологии прочно внедрились в нашу жизнь, уже невозможно представить, что эпоха цифры закончится и мы вернемся к аналоговым историям. Художники вынуждены искать более яркие способы донесения информации, усложнять систему выразительных средств. Все современные авторы — философы с собственной концепцией мира, в которой процесс рефлексии играет ведущую роль (в частности, российское цифровое искусство замешано на концепте, а не на яркой эстетической составляющей). Задача искусства любой эпохи и страны — в осмыслении и переработке впечатлений, в движении к осознанию жизненных процессов, ведь их непонимание означает путь в никуда.

— Кто из художников сегодня особенно влияет на развитие искусства? Кто ваши любимые мастера?

— Думаю, стоит упомянуть не только ныне живущих авторов. Мои источники вдохновения — Энди Уорхол, популяризировавший искусство через медийные образы, Жан-Мишель Баския, весь русский авангард, давший толчок к развитию современного дизайна и архитектуры. Из действующих мастеров выделю концептуального скульптора Энтони Гормли, исследующего взаимодействие внешнего и внутреннего пространства. Очень люблю Маурицио Каттелана, работающего с восковыми фигурами. Он доносит до зрителя серьезные идеи с довольно тонким юмором.